El guionista y director de la La Land, Damien Chazelle, habla de subvertir las cosas que más ama

'Sentí permiso para celebrar explícitamente estas cosas, para llenar la pantalla hasta el borde con cosas que personalmente amo'

Lionsgate

Desde que Damien Chazelle'sLa La Land Estrenado en el Festival de Cine de Venecia en agosto, ha sido aclamado como el presunto favorito en la mitad de los Premios de la Academia de este año, especialmente en las categorías de música, visual, actuación y dirección. El Círculo de Críticos de Nueva York y la Asociación de Críticos de Washington DC ya la han declarado la mejor película del año. Y ni siquiera llega a los cines hasta el viernes 9 de diciembre.

mensajero negro

El seguimiento de Chazelle a su película de rupturaLatigazo(que fue nominada a cinco premios Oscar, incluida Mejor Película, y ganó tres, por edición, mezcla de sonido y J.K. Simmons como actor de reparto) una vez más se centra en la música y la interpretación, pero es una película muy diferente. DóndeLatigazofue agresivo, maníaco y confrontativo,La La Landes un musical retroceso descaradamente dulce y melancólico que canaliza el Hollywood de los años cincuenta y sesenta en su puesta en escena y su tono. Emma Stone y Ryan Gosling interpretan a dos artistas que intentan triunfar en Los Ángeles (ella es actriz, él es un músico de jazz) y se pierden profesional y personalmente. Es una película técnicamente deslumbrante, pero también se siente como comida reconfortante preparada para los cinéfilos, llena de referencias al viejo Hollywood y la energía de los grandes musicales clásicos de MGM. Recientemente hablé con Chazelle sobre por qué fue una película tan difícil de hacer y por qué está listo para que la gente la separe.

La La Land es una gran película de espectáculos y se basa en gran medida en la historia del cine. Pero también ha dicho que es una película privada y personal para usted. ¿Cómo es eso?

Recuerdo estar nervioso antes de mostrar la película, cuando la estábamos preparando para el Festival de Cine de Venecia. No nerviosa de una manera que siempre estuve nerviosa antes de las proyecciones, pero nerviosa de una manera que me pareció aún más palpable de lo que nunca había experimentado. No sé si es porque tomó más tiempo despegar, o qué es exactamente. Pero siento tanta pasión por muchas de las cosas que componen esta película, ya sean musicales o las ideas de la película, la idea de alcanzar un sueño, ya sea que parezca que va a funcionar o no. Sentí como si mi corazón estuviera en mi manga. Me sentí muy expuesto. Pero quizás un musical siempre expone. Nada puede volverse loco como un musical que se vuelve loco.

¿Cómo mantienes estos sentimientos emocionales profundos y personales cuando estás tratando de juntar tantas tomas técnicamente complicadas y pasar por un riguroso programa de ensayos?

Una cosa que realmente ayudó fue la música. Obviamente, las canciones y ciertas melodías habían sido escritas y desarrolladas antes del rodaje, e incluso mientras escribía el guión, me dio una banda sonora para escribir. Eso me ayudó a mantener un cierto tono o registro emocional, y me dijo dónde teníamos que estar emocionalmente en cualquier parte de la película. Y luego, en lo que respecta a la edición, [Justin Hurwitz] el compositor estuvo a mi lado, y al lado de mi editor, durante el último año de edición, componiendo los guiones bajos y anotando escenas mientras las filmábamos. Así que nunca hubo ningún puntaje temporal. Justin siempre hacía todo en el lugar. Así que ayudó a mantener la continuidad desde la etapa inicial del guión hasta el rodaje, hasta estar en la sala de edición. Y la música tenía un tono tan específico, un tipo específico de lenguaje, que ayudó a informar todo. Cualquier imagen que tomemos se sentiría un poco diferente tan pronto como pusieras la música de Justin debajo o sobre ella. Eso fue increíblemente útil.

Nada puede volverse loco como un musical que se vuelve loco.

Pero fue este desafío, especialmente al final del proceso de edición, cuando realmente estábamos tratando de navegar por el tono de la película. Intentamos perder ciertas escenas o agregar otras, o cambiar las cosas, todo tipo de cosas que normalmente harías en una edición. Había tantas piezas en movimiento que a veces resultaba difícil ver el bosque por los árboles y asegurarnos de que todavía estábamos en la onda emocional en la que necesitábamos estar. Y en momentos como ese, definitivamente confiaba mucho en proyectar la película y tratar de verla con la gente para verla a través de sus ojos. Cosas como para ayudarnos a reorientarnos a nosotros mismos y descubrir: 'Bien, aquí es donde estamos, esto es lo que funciona, esto es lo que no', y luego volver al trabajo.

Lionsgate

Por lo que tengo entendido, escribiste el primer borrador del guión en 2010. ¿Ya estaban tus canciones originales en ese momento?

Tan pronto como escribí un tratamiento básico, se lo di a Justin, y él comenzó a pensar en ideas para el tema de la banda sonora, que se repite a lo largo de la película. Una vez que se fijó en eso, comencé a escribir el guión en sí. Mientras escribía el guión, él escribía melodías. A veces enviábamos cosas de un lado a otro, o le enviaba una escena y él le escribía. A veces enviaba una melodía del éter, y eso provocaba algo en mí, y yo intentaba construir un número en torno a eso. Fue un diálogo de ida y vuelta entre nosotros y mis dos productores, Fred Berger y Jordan Horowitz. Básicamente, los cuatro estábamos jugando al ping-pong mientras desarrollábamos la historia, el guión y la música a la vez, en el transcurso de un par de años juntos.

Latigazo es técnicamente riguroso, pero todavía se siente como un gran paso hacia la complejidad. ¿Abordó la producción de otra manera?

Sí, fue interesante, porque en realidad tuvimos tiempo para ensayar esto de una manera que realmente no teníamos.Latigazo. Tuvimos una preparación mucho más larga en esto, pero al mismo tiempo, tuvimos una preparación mucho más difícil. Había más elementos en movimiento. Al hacer un musical, especialmente un musical original, a veces se siente como si estuvieras tratando de hacer tres proyectos a la vez. Estás haciendo la película en sí, pero también estás haciendo un álbum y coreografiando un ballet. Y todas esas cosas tienen que existir en última instancia completamente juntas, al unísono.

Hacer un musical a veces se siente como si estuvieras tratando de hacer tres proyectos a la vez.

Entonces, aunque tuvimos esta preparación de tres o cuatro meses, se sintió como si todos los días estuviéramos compitiendo contra el reloj, por mucho que se sintiera enLatigazo. Estábamos tratando de arreglar cada detalle técnico, porque sabíamos que necesitábamos tener las cosas realmente resueltas antes de llegar al set. No habría margen para cambiar radicalmente las cosas una vez que estuviéramos en el set, porque estábamos filmando en ubicaciones reales. No teníamos un calendario de rodaje muy largo. A menudo filmamos para momentos específicos del día, puestas de sol o ciertas horas de luz, o una hora mágica. De modo que existían todas estas limitaciones prácticas de lo que podíamos hacer y que necesitábamos saber cómo operar en nuestro interior. Afortunadamente, cuando comenzamos a filmar, estábamos más o menos preparados y preparados para el desafío. Pero cada momento de preparación fue un proceso intenso. Un cambio en cualquier departamento, ya sea el vestuario o el guión, o una idea que acababa de surgir en la coreografía, necesariamente afectaría a todos los demás departamentos. Todos tenían que ser flexibles. Teníamos que realinearnos constantemente mientras intentábamos no perder el control de la visión general de lo que estábamos tratando de decir.

¿Qué terminó siendo más desafiante de lo que esperabas?

Lo que más me llamó la atención en la preparación fue, lo sabía teóricamente, pero no lo había tratado en persona, esa idea de cuánto dependía todo de todo lo demás. Para mí era tan importante que, en última instancia, todo lo que aparece en la pantalla parece estar destinado a ser. La producción, la música, la actuación, la historia, quería que todo eso se sintiera perfecto, como una declaración sostenida y continua. Pero eso puede ser un gran desafío cuando estás trabajando en el guión y trabajando con tus actores en la preparación mientras aprenden sus rutinas de baile. Y luego surge una idea que desea aprovechar, y para adaptarse a esa idea, el cambio requiere un montón de otros cambios en todo momento. El cambio puede ser cualquier cosa: un cambio de diseñador de vestuario, un cambio coreográfico, un cambio que surge cuando hablo con los actores y nos damos cuenta de que es más inteligente que la escena entreestodirección en lugar deestodirección. Cualquiera de esos tipos de cosas en una película ordinaria no tendría tantas ramificaciones.

Al mismo tiempo, no quería ser una camisa de fuerza. No quería que ninguno de los actores se sintiera con camisa de fuerza. No quería que ningún departamento sintiera que tenían que comprometer su visión porque todos tenían que quedarse en su lugar. Quería que la gente pudiera sugerir revisiones si parece que deberíamos hacerlo. Así que era una necesidad de cómo quería que se ejecutara el proceso, pero fue muy desafiante. Se sentía como una contradicción, tratar de mantener las cosas sueltas, abiertas y espontáneas, mientras me aseguraba de que fueran súper técnicamente precisas, y todas las letras se cruzarían y yo estaría punteado antes de filmar.

Imagen: Lionsgate

Tantos momentos de esta película parecen referencias específicas a otros musicales. Siento que este es un proyecto como Westworld , algo que los cinéfilos van a querer desarmar de uno en uno, buscando huevos de Pascua y discutiendo sobre tus homenajes. ¿Apoya esa forma de ver una película? O esa forma de mirar esto ¿película?

Quiero decir, sí, ¿por qué no? Parte de lo divertido de hacer esta película es que he sido un amante del cine toda mi vida, pero algunas películas te dan permiso para disfrutar de ese amor y celebrarlo, mientras que otras películas no. Esto es, en muchos sentidos, una película sobre películas y una película sobre las artes. Entonces, como fanático de las películas, fanático de la música, fanático de Los Ángeles, fanático de tantas de estas cosas, sentí permiso para celebrar explícitamente estas cosas, para llenar la pantalla hasta el borde con cosas que personalmente amo. Supongo que eso es lo que hizo que la película se sintiera realmente personal para mí, incluso privada. A veces era como si estuviera asaltando mi alijo privado de LP favoritos. Eso se siente muy personal. Pero al mismo tiempo, estaba tratando de encontrar una manera de combinar esas cosas de nuevas formas, actualizarlas o sintetizarlas, o subvertirlas, para hacer algo con ellas en las que sientan que están hablando un nuevo idioma. Donde sienten que están diciendo algo nuevo. Pero sí, definitivamente hay huevos de Pascua a lo largo de la película, y ponerlos allí fue parte de la diversión de hacerlo.

Los personajes viven en un mundo donde un Rebelde sin causa existe, y saben cuándo lo están citando. ¿Son conscientes de los musicales de Hollywood a los que hacen referencia cuando bailan o en la forma en que se visten o se comportan?

Ryan, Emma y yo hablamos mucho, en un sentido general, del tono de la película. Pero también nos centramos en los personajes, el grado de alegría y el grado de autoconciencia que deberían tener. Decidimos jugar un poco, al menos subtextualmente, con esta idea de que los personajes saben que están en un musical y son juguetones con ese hecho. Quería asegurarme de que las referencias explícitas a las películas, como las cosas incluidas en el diálogo, no estuvieran tan impulsadas por la música, se eliminarían un paso. Pero, en última instancia, se trata de una película sobre un personaje que quiere estar en las películas. Están en la ciudad cinematográfica más cinematográfica de todas, Los Ángeles, y caminan por los estudios, rodeados de los iconos de las películas antiguas. Todo estaba horneado. Así que hablamos sobre ¿Hasta qué punto los personajes son conscientes de esto?

hay una sensación de juego en los personajes, y a lo largo de la película, acerca de estar en un musical.

Me gustó la idea de que sean conscientes. No lo subrayamos demasiado, pero hay un sentido de juego en los personajes, y a lo largo de la película, sobre estar en un musical y jugar con los tropos de estar en un musical. Por extensión, cuando las cosas empiezan a ir mal con los personajes, una idea que se les ocurrió a los actores y con la que jugaron fue la de dejar de escuchar la música en un momento determinado. Realmente ya no pueden escuchar la música y, por extensión, han dejado de estar en un musical. Entonces, tratar de encontrar esas notas, qué tan enamorados están y en qué tipo de película sienten que están, eso fue algo de lo que hablamos cuando entramos en el rodaje.

¿Piensas en esta película más como una reacción al Hollywood actual y lo que es luchar por una carrera allí en este momento? ¿O es más una carta de amor al pasado? ¿O algo completamente diferente?

souljagame

Es gracioso, porque escribirlo definitivamente nunca se sintió como una gran declaración. Definitivamente fue escribir, en muchos casos, experiencias muy cercanas a la mía: haberme mudado a Los Ángeles, intentar hacer películas, en un sentido más general, tratar de ser artista, y los altibajos de eso. A veces, la soledad que puede venir con eso, y las formas en que tienes que equilibrar el amor y el arte, o los sueños y la realidad. Lo importante para mí era captar algo de verdad sobre esa experiencia o esas emociones.

Pero al mismo tiempo, ahora es parte de la paradoja de Hollywood. Al vivir en Los Ángeles, vives en una ciudad llena de historia del cine. Dondequiera que mires, hay un eco de este pasado cinematográfico glorificado. En muchos sentidos, también hay una industria que parece decidida a borrar ese pasado, o ignorarlo, y seguir adelante. Tengo en la cabeza una versión del debate que tienen John Legend y Ryan Gosling en la película sobre el jazz. Si aplicas eso a las películas, surge la misma idea: ¿tratas de preservar lo que amas del pasado de una forma de arte a riesgo de marginarlo? ¿O intentas empujarlo hacia el futuro, a riesgo de bastardarlo? ¿Dónde está ese equilibrio? Creo que eso se aplica a cualquier forma de arte, pero en este momento, las películas especialmente parecen estar atravesando una pequeña crisis de identidad, atrapadas entre las ideas pasadas de lo que se suponía que eran las películas y la nueva frontera, donde se ven películas, en su mayor parte, no en las salas de cine. ¿Qué le hace eso a nuestro sentido de la forma de arte? Esta es una gran falta de respuesta. Pero estas son las ideas que me inundaron la cabeza, así que traté de ponerlas en la página de alguna manera enLa La Land.